리뷰: 뉴 휘트니 박물관의 첫 번째 쇼, '미국은 보기 어렵다'

Whitney Museum of American Art의 새 집인 America Is Hard to See의 첫 번째 전시회가 5월 1일에 열립니다. 여기, David Salle의 Splinter Man이 Donald Moffett의 He Kills Me의 배경 프린트에 있습니다.

허드슨 강 옆에 위치한 Renzo Piano의 새로운 Whitney Museum of American Art는 외부에서 유조선 선체의 대부분을 차지합니다. 내부는 완전히 다릅니다. 높은 천장, 높은 창문, 부드러운 소나무 판자 바닥이 있는 갤러리는 현재 휘트니가 있는 곳에서 선상 세관 검사관으로 일했던 허먼 멜빌(Herman Melville)에게 알려진 19세기 선원의 다락방처럼 통풍이 잘되고 채광이 좋습니다. 예술은 그들에게서 집처럼 느껴지고 박물관의 처음부터 끝까지 전시된 작품은 국내에서 자란 것입니다. 영구 컬렉션에서 추려낸 이 컬렉션은 Edward Hopper, Georgia O'Keeffe 및 Jasper Johns가 가장 좋아하는 작품과 Whitney가 거의 잊은 물건 및 예술가를 상상적으로 혼합합니다.

새로운 박물관이 역사와 함께 시작되는 것을 보는 것은 좋은 일입니다. 미국은 보기 어렵다 그리고 5월 1일 개봉은 전반적으로 제도적 과거에 대한 신중한 판단이다. Whitney 업타운에서 같은 규모로 이루어질 수 없었을 것이라는 점은 다른 사람보다 이사를 가야 하는 좋은 이유입니다. 하이 라인의 남쪽 끝에 있는 새로운 장소는 기존 전시 공간의 두 배입니다. 컬렉션의 큰 조각을 이제 풀타임으로 전시할 수 있으며 전에는 불가능했습니다.

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신용 거래...토니 세니콜라/뉴욕 타임즈



첼시에서 한 블록 떨어진 미트패킹 지역을 목적지로 선택한 이유도 분명하지만 더 미끄럽다. 예술이 말 그대로 금만큼 좋은 시기에 박물관은 재치 있게 사물의 상업 중심, 예술가 동네와는 정반대인 주요 지역에 자리를 잡았습니다. 경제적으로 Chelsea는 문이 닫힌 커뮤니티입니다. 예술가는 방문할 수 있지만 다른 곳에서 살아야 합니다. 휘트니는 그걸로 무엇을 할까요? 누구의 친구가 될까요? 시장인가 예술가인가? 둘 다에게 진정한 친구가 될 수는 없습니다.

High Line 위치도 확실히 인센티브였습니다. 갑자기 그 고가 도로, 보행자의 기이한 속도감 있는 장면이 새로운 목표를 갖게 되었습니다. 즉, 보행자의 발길을 박물관으로 직행하게 하여 자기 목적지가 되기 위해 열심히 노력할 것입니다. 예술과 함께 방문객들은 사내 바-레스토랑, 카페, 극장 같은 공연 공간, 걷는 조각품과 같은 Richard Artschwager가 디자인한 엘리베이터, 탁 트인 전망의 야외 갤러리를 발견할 수 있습니다. 새로운 휘트니는 이 물이 뒤덮인 도시에서 멋진 강 전망을 감상할 수 있는 유일한 주요 박물관입니다.

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이 새로움의 전부(또는 일부)는 훌륭하지만 Whitney가 상업적 그리드에서 소규모로 시작했으며 다른 예술가들을 위해 예술가에 의해 만들어졌다는 것을 기억하는 것이 유용합니다. 그리고 박물관은 우리에게 상기시킵니다. 제작자는 조각가이자 수집가인 Gertrude Vanderbilt Whitney(1875-1942)로, 돈과 사회적 지위, 당시의 문화적 곡물에 반하는 미국 작품에 대한 반항아의 욕구를 가지고 있었습니다. 색다른 그리니치 빌리지에서 그녀는 학교, 스튜디오 및 예술가들이 만나고, 일하고, 파티를 할 수 있는 공동 오락실로 기능하는 자신의 박물관을 시작했습니다. 1931년 오리지널 휘트니와 마찬가지로 대중에게 무료로 제공되는 새 박물관의 로비 갤러리에 설치된 쇼에서 생생한 분위기를 느낄 수 있습니다. 1916년 로버트 헨리가 그린 휘트니 부인의 초상화가 청록색 실크 잠옷을 입고 휴식을 취하는 비너스로 묘사되어 장면을 지배하지만 그녀 주변에는 소란이 있습니다. 호퍼는 구석에서 누드를 스케치하고 있다. 박물관의 첫 번째 감독인 Juliana Force라는 적절한 이름은 큐레이터와 함께 모여서 우리에게 돌아옵니다. 조각 동물의 유쾌한 동물원은 우리가 지금 소중히 여기는 민속 및 외부 예술이 당시에도 가치가 있었음을 보여줍니다. 그리고 최근 박물관 기록 보관소에서 발견된 Guy Pène Du Bois의 풍자적인 그림 모음은 거의 100년 전의 예술 세계가 오늘날과 마찬가지로 모든 면에서 어리석었음을 보여줍니다.

이때부터 4명의 휘트니 큐레이터인 Donna De Salvo, Carter E. Foster, Dana Miller, Scott Rothkopf가 제인 파네타, 캐서린 태프트, 미아 커런과 함께 펼친 미국 모더니즘의 연대기적 이야기가 8층으로 올라가고, 그곳에서 휘트니 부인이 더디게 끌었던 일종의 예술인 유럽의 영향을 받은 추상화로 전개됩니다. 그녀는 일부를 수집했습니다. Stuart Davis의 1927년 Egg Beater No. 1은 그녀의 것이었습니다. 그러나 이 섹션을 여는 위대한 Marsden Hartley 작품은 제1차 세계 대전 베를린의 색채와 소란을 발산하며 그녀의 사후 박물관에 왔습니다. 많은 참신 중 하나인 시인 EE Cummings의 거대한 구불구불한 소용돌이 구성도 마찬가지였습니다. 깊은 창고에서 꺼냈습니다.

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쇼는 그것들이 풍부합니다. 썩어가는 고기 조각처럼 보이는 작은 Joseph Stella 콜라주; 아프리카계 미국인과 아메리카 원주민 출신의 예술가인 Nancy Elizabeth Prophet이 Congolais라고 하는 조각된 벚나무 흉상으로 유럽에서 히트를 쳤고 결국 집에서 가정부가 되었습니다. 잘 알려지지 않은 James Daugherty의 1914년 그림은 기하학적 추상을 야구에 독창적으로 접목합니다. 그리고 전시회의 단일 대여 작품에서 플로린 스테트하이머는 맑은 날 8층 카페 테라스에서 시내를 훔쳐볼 수 있는 자유의 여신상에 경의를 표합니다.

각각은 아름다움, 희귀성 또는 기이함으로 기억에 남습니다. 함께 그들은 미국 모더니즘의 경계가 얼마나 진정으로 매핑 불가능한지, 큐레이터가 그룹화에서 고정된 범주를 피함으로써 강조하는 사실을 보여줍니다. 그들은 회화, 사진, 판화, 조각을 뒤섞습니다. 교과서 브랜드가 아닌 테마와 감성으로 작품을 정리한다. Rose Castle이라고 표시된 7층의 섹션은 Joseph Cornell의 특정 집합체의 이름을 따서 명명되었습니다. 그러나 이것은 호퍼, 만 레이, 자레드 프렌치, 앤드류 와이어스와 같은 다양한 환상가들을 포용하는 동시에 영화 제작자 마야 데렌과 메리 엘 뷰트를 궤도로 끌어들이는 꿈의 미국 초현실주의에 관한 것입니다.

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다른 곳에서는 Calder 's Circus가 인기를 얻은 중심 무대를 차지합니다. 그러나 여기에서 자랑하는 사랑스러움은 그것이 유지하는 불쾌한 회사에 의해 현명하게 줄어들었습니다. George Bellows slugfest가 그 뒤에 달려 있습니다. 다른 벽에서는 Reginald Marsh의 거친 10센트 댄서들이 고객을 위해 앵글을 만들고 Weegee는 오페라에서 개막식 밤을 계급 전쟁 대결로 바꿉니다. 큰 그림은 오락을 즐기는 데 너무 몰두하여 자신의 부패를 제대로 볼 수 없는 미국의 모습입니다.

테마는 자연스럽게 6층의 팝 아트 셀렉션으로 이어지지만 여기에 몇 가지 놀라운 이미지가 추가된 것을 제외하고(말콤 베일리의 1969년 노예선 그림은 하나입니다) 많은 작업이 완료되지 않았습니다. 추상 표현주의와 미니멀리즘에 관한 섹션에서도 마찬가지입니다. 그들은 기존의 책과 거의 비슷합니다. 그들은 OK이지만 평범합니다.

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신용 거래...2015 Richard Artschwager/Artists Rights Society(ARS), 뉴욕; 토니 세니콜라/뉴욕 타임즈

정치 예술의 세 가지 팽팽한 설치는 전혀 평범하지 않습니다. 3개 층에 걸쳐 있으며 드럼 비트처럼 쇼를 강조합니다. 왜 사람들은 정치 예술이 시대에 뒤떨어져 보인다는 이유로 폄하하는 걸까요? 1930년대의 반흑인 폭력에 항의하는 그림과 지문은 즉각적인 관련이 있습니다. 1970년 하워드 레스터(Howard Lester)의 영화 '베트남에서의 일주일'(One Week in Vietnam)은 전쟁에서 전사한 미군 병사들의 사진을 7일 동안 보여주며 여전히 가슴을 뭉클하게 한다.

1980년대와 90년대의 AIDS 시대에 의해 또는 그 동안 생성된 예술은 시간이 지남에 따라 그 영향력이 더 커졌습니다. 인종적, 민족적, 성적인 개인 정체성의 정치는 이제 비판적인 유행에서 벗어났지만 이 쇼에서 가장 최근의 예술의 대부분을 포화 상태로 만듭니다. Jacolby Satterwhite의 2013년 비디오와 Nicole Eisenman의 2014년 그림에서 차이는 정의를 넘어선 현실로서 새로운 방식으로 묘사됩니다.

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신용 거래...2015 Richard Artschwager/Artists Rights Society(ARS), 뉴욕; 토니 세니콜라/뉴욕 타임즈

휘트니라는 이름에 내재된 휘트니 자신의 정체성 문제는 어디에도 직접적으로 언급되지 않습니다. 이것은 미국 미술 박물관이 아닙니다. 북미 미술 박물관입니다. 큐레이터들은 이를 잘 알고 가끔 미국의 예술이라는 표현을 사용하기도 한다. 그러나 제외는 남아 있습니다. 라틴 아메리카 예술, 아메리카의 예술은 여기에 거의 없으며 쿠바 태생의 화가 Carmen Herrera(99세)는 뛰어난 예외 중 하나입니다. (2016년에는 개인전을 가질 예정이다.)

그리고 어떻게 400명이 넘는 미국 예술가들의 쇼에서 단 한 명의 아메리카 원주민이 있을 수 있습니까? Jimmie Durham(Ms. Prophet을 계산하면 두 명일 수도 있음)? 제도적 내러티브의 일환으로 첫 전시회는 1993년 비엔날레와 1994년 Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary Art라는 과거의 두 가지 정체성을 주제로 한 휘트니 쇼를 떠올리게 합니다. 그러나 중국, 콜롬비아, 크로아티아, 쿠바, 이집트, 일본의 예술가들이 작업한 로렌스 린더의 The American Effect: Global Perspectives in the United States, 1990-2003에서 교구주의에서 완전히 이 제도를 실행한 것에 대한 언급은 없습니다. 세네갈. 그것은 결함이 있었습니다. 어떤 아웃 온 림(out-on-limb) 프로젝트가 그렇지 않습니까? — 하지만 미래를 향해 내놓을 모델을 찾고 있다면 이것이 하나일 것입니다. 그래서 앞으로 할 일이 있습니다.

진정한 의미에서 새 건물은 Whitney의 관심사 중 가장 작은 것입니다. 좋든 싫든 간에 - 파편 연료를 운반하는 파이프라인과의 근접성에 대해 이미 항의가 있었습니다. - 거래는 끝났습니다. 예술이 최선을 다하고 문화를 형성하는 효과적인 무대를 제공한다면 잘 된 것입니다. 게다가, 대부분의 박물관은 한두 세대 안에 고전으로 바뀌는 경향이 있습니다. 그리고 항상 본질적으로 정치적인 제도적 사고가 중요합니다. 먼저 컬렉션에 무엇이 그리고 누가 들어갈지, 그 다음에는 공공 공간에 무엇이 들어갈지, 마지막으로 이러한 것들을 감독하기 위해 어떤 새롭고 대안적인 눈이 들어올 것인지를 결정하는 것입니다. 이사와 함께 새로운 Whitney는 유망한 출발을 합니다. 그것은 예술과 그 자체를 최소한 조금이라도 든든하게 흔들어 놓습니다. 오프닝 파티가 끝나면 더 많은 일을 하여 이 도시가 기다려온 살아있는 역사 박물관이 되기를 바랍니다.

한편, 그것은 우리에게 이 모든 것에 대해 생각할 수 있는 도시에서 가장 빛나는 실내외 예술 공간을 제공합니다.