미국 미술의 역사를 검색하면 Charles Demuth의 수채화보다 더 아름다운 수채화를 발견할 수 있습니다. 엄격한 식물 관찰과 느슨한 입체파 추상화를 결합한 그의 꽃, 과일 및 야채 수채화는 마법 같은 생기와 거의 충격적인 관능을 가지고 있습니다.
Demuth(1883-1935)에게 수채화는 쉬웠고 수집가들이 쉽게 수채화를 긁어모으는 것도 나쁘지 않았습니다. 그러나 그의 시대에 수채화는 사소한 예술 형식으로 간주되었습니다. 현대미술가로 자신의 이름을 알리려면 더 어려운 일을 해야 한다고 믿었다. 더 크고 대담하고 유성 페인트로 된 것.
그래서 1920년대에 Demuth는 유화를 그리기 시작했고 1927년 40대가 되었을 때 그의 마지막 캠페인인 펜실베니아 주 랭커스터의 고향에 있는 공장 건물을 묘사한 7개의 패널 페인팅 시리즈에 착수했습니다.
그 중 6개의 그림은 휘트니 미술관(Whitney Museum of American Art)의 화려하고 긴밀하게 집중된 전시회인 굴뚝과 탑(Charles Demuth's Late Paintings of Lancaster)에서 강조 표시됩니다. 그들은 그의 꽃 수채화만큼 훌륭하지 않습니까 ?? 이들 중 일부는 또한 쇼에 있습니까 ?? 그러나 오일에는 눈을 뗄 수 없는 광채가 있습니다.
이 전시회는 미술사가 Betsy Fahlman이 지난 여름에 포트워스에 있는 Amon Carter Museum에서 기획했습니다.
영상랭커스터 그림이 요즘 기준으로 크지는 않지만?? 가장 큰 치수는 2.5피트 x 3피트 ?? 그들은 기념비적인 규모와 영웅적인 비전을 투영합니다. 각각의 보기는 위쪽입니다. 거대한 19세기 벽돌 건물, 높이 솟은 원통형 굴뚝, 로켓 모양의 급수탑, 거대한 콘크리트 곡물 저장고가 푸른 하늘이나 회색 하늘을 배경으로 하고 있습니다.
Precisionism이라고 불리는 스타일로 작업하면서 Demuth는 섬유판 패널에 잘라낸 연필 선 안에 그림을 그렸습니다. 컴포지션에서 대상을 정의하는 것 외에도 선은 광선처럼 그림을 통해 대각선으로 절단되어 색상과 음영의 변화로 강화된 깎인 결정 패턴을 만듭니다. 이 작품에서 건축적 견고성과 입체파의 균열 사이의 긴장은 미래적인 역동성을 만들어내고, 자세히 들여다보면 호화롭고 광택이 나는 표면이 드러난다.
가끔씩 나오는 노란색 외에 빨강, 흰색, 파랑을 주색으로 사용한다. 한 그림이 And Home of the Brave이고 다른 그림이 Walt Whitman의 시에서 After All이라는 제목을 취했다는 점을 고려할 때 이 시리즈는 일종의 미국 찬가라고 볼 수 있습니다. 미국 모더니스트들이 토착 주제를 수용하고 산업 및 엔지니어링 분야에서 미국의 업적을 축하하던 때였습니다.
오늘날 Demuth의 산업 로맨스는 영감을 주기보다는 기이한 것 같습니다. 그러나 덜 명백한 감정이 시리즈의 분위기를 더합니다.
Demuth는 Lancaster 그림을 작업하는 동안 당뇨병으로 고생했습니다 ?? 너무 심해서 오랫동안 그는 그림을 그릴 수 없었습니다. 인슐린은 1922년 이 질병의 치료제로 사용되기 시작했으며 Demuth는 이 새로운 약으로 치료받은 최초의 환자 중 하나였습니다. (쇼 카탈로그의 에세이에서 Fahlman은 필라델피아 외곽에서 Barnes Foundation을 설립한 미술 수집가인 Dr. Albert C. Barnes가 Demuth가 최상의 의료 서비스를 받을 수 있도록 도운 데 중요한 역할을 했다고 밝혔습니다.)
그러나 인슐린은 Demuth를 구하기에 충분하지 않았습니다. 그는 1933년에 시리즈의 마지막 그림인 After All을 완성했고 2년 후 51세의 나이로 사망했습니다. Lancaster 그림이 만들어진 환경을 알면 그들의 영웅적 이미지에 날카롭게 개인적인 성격이 부여됩니다.
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또한 Demuth는 보헤미안 뉴욕에서 게이 남성으로 살았는데, 그곳에서 어머니와 공유했던 Lancaster의 어린 시절 집을 영구적으로 떠나지 않고 많은 시간을 보냈습니다.
Demuth의 가장 유쾌한 작품 중 성적인 상황에서 함께 남자를 묘사하는 유연하고 만화 같은 수채화. Whitney 쇼에는 비교적 차분한 두 가지 예가 포함되어 있으며, 꽃 수채화, 서커스 공중 그네 예술가의 수채화, 뉴욕 딜러 Alfred Stieglitz의 쇠약해진 Demuth의 가슴 아픈 사진 초상화와 함께 별도의 방에 걸려 있습니다. 휘트니 큐레이터의 조수인 사샤 니콜라스(Sasha Nicholas)가 구성한 대로, 그 작은 방은 프론트 룸의 비교적 비인간적인 공장 풍경 사이에 숨겨져 있는 Demuth의 다정하고 개인적인 면을 드러냅니다.
그녀의 에세이에서 Ms. Fahlman은 미국 전위 예술가들 사이에 만연한 보다 자유로운 성적 태도에도 불구하고 Demuth는 주로 이성애적인 예술 세계에 의해 소외되었다고 느꼈을 것이라고 추측합니다. 만약 사실이라면, 그 해석은 랭커스터의 그림을 또 다른 흥미로운 빛으로 던집니다.
이 시리즈는 Demuth가 수채화 작가이자 꽃 전문가로서의 경력에 동반되었을 수 있는 여성에 대한 낙인을 없애려는 시도로 읽을 수 있습니다. 확실히 랭커스터의 그림은 당시 그의 비평가들이 더 정력적이라고 호의적으로 여겼을 야망을 나타냅니다.
그 개념을 즐겁게 하면 틀림없이 남근의 급수탑과 굴뚝을 재고하게 됩니다. 데무스는 무슨 생각을 하고 있었을까? Marcel Duchamp는 그의 좋은 친구였습니다. 무생물의 가능한 의미에 대한 프로이트의 아이디어는 공중에 있었습니다. Demuth는 자신의 그림에 담긴 절박한 상황을 인식하지 못했을까요?
나는 그가 그날의 기대와 함께 약간의 재미를 느끼고 있었다고 생각하고 싶습니다. 그는 속으로 이렇게 말했습니다. 그들은 남자다운 그림을 원합니다. 나는 그들에게 남자다운 그림을 줄 것이다! 그가 할 수 있었던 것은 그들을 아름답게 만드는 것이었습니다.